Non mi avrete mai come volete voi

Whether you are a programmer or a designer, the production of code and markup is hard work. Without an editor dedicated to the task, it is also often cumbersome, overwhelming, and repetitive. Especially when you are dealing with a lot of files at once — like most projects do. TextMate puts you back in control, reduces the mental overhead, and turns manual work into something the computer does.

Created by a closet UNIX geek who was lured to the Mac platform by its ease of use and elegance, TextMate has been referred to as the culmination of Emacs and OS X and has resulted in countless requests for both a Windows and Linux port, but TextMate remains exclusive for the Mac, and that is how we like it!

TextMate is not an IDE but by using its powerful snippets, macros, and unique scoping system, it can often provide features that even a language specific IDE lacks. It has enough project management features to keep most users happy, but is otherwise kept lightweight with a clean and minimalistic GUI.

A list of highlights follow, you can follow the links to learn more.

Ability to Search and Replace in a Project
Auto-Indent for Common Actions Like Pasting Text
Auto-Pairing of Brackets and Other Characters
Clipboard History
Column Selections and Column Typing
Completion of Words from Current Document
CSS-like Selectors to Pinpoint the Scope of Actions and Settings
Declarative Language Grammars for Graceful Mixing and Hacking
Dynamic Outline for Working With Multiple Files
Expand Trigger Words to Code Blocks With Tab-able Placeholders
File Tabs when Working With Projects
Foldable Code Blocks
Function Pop-up for Quick Overview and Navigation
Plug-able Through Your Favorite Scripting Language
Recordable Macros With No Programming Required
Regular Expression Search and Replace (grep)
Run Shell Commands from Within a Document
Support for Darcs, Perforce, SVK, and Subversion
Support for More Than 50 Languages
Switch Between Files in Projects With a Minimum of Key Strokes
Themable Syntax Highlight Colors
Visual Bookmarks to Jump Between Places in a File
Works As External Editor for (s)ftp Programs
Works Together With Xcode and Can Build Xcode Projects

Fonte: http://macromates.com/

Link: http://ul.to/j7bmqblk

Onde e vibrazioni - Franco Wanderlingh

2011-12-01T22:18:00.001+01:00

Link: http://ul.to/5e65iri8

Termodinamica - Franco Wanderlingh

2011-12-01T22:16:00.001+01:00

Link: http://ul.to/vaeeloqt

Rino Gaetano - Figlio unico

2011-12-01T22:14:00.001+01:00

Link: http://ul.to/5ye6cr9r

Fabrizio De André - Canzoni

2011-12-01T22:10:00.001+01:00

Link: http://ul.to/ovgfnd9n

Fabrizio De André - Anime salve

2011-12-01T22:04:00.001+01:00

Frutto di un lavoro a quattro mani di De André con il collega e concittadino Ivano Fossati, che era già stato suo collaboratore episodico in passato,[6] Anime salve è considerato da molti il testamento non solo musicale di Fabrizio De André,[7] ma anche spirituale, soprattutto per la presenza del brano di chiusura dell'opera, Smisurata preghiera.[8][9] Attraverso i brani del disco, il cantautore intraprende un percorso ideale nell'anima del mondo degli umili, dei reietti e dei dimenticati, sempre molto caro al cantautore.[10] Il tema prevalente è la solitudine in tutte le sue forme:[11] quella della transessuale, del Rom, dell'innamorato, del misero pescatore di acciughe, anche (in positivo) quella scelta come condizione ideale. Lo stesso titolo dell'album deriva dall'etimologia delle parole "Anime" e "Salve", e sta a significare "spiriti solitari".[7] L'intero disco può essere considerato un "elogio della solitudine", che permette di essere liberi e non condizionati dalla società[12] come spiegato dallo stesso De André durante un live poi pubblicato nell'album Ed avevamo gli occhi troppo belli:
« [Anime salve] trae il suo significato dall'origine, dall'etimologia delle due parole "anime" "salve", vuol dire spiriti solitari. É una specie di elogio della solitudine.
Si sa, non tutti se la possono permettere: non se la possono permettere i vecchi, non se la possono permettere i malati. Non se la può permettere il politico: il politico solitario è un politico fottuto di solito. Però, sostanzialmente quando si può rimanere soli con sé stessi, io credo che si riesca ad avere più facilmente contatto con il circostante, e il circostante non è fatto soltanto di nostri simili, direi che è fatto di tutto l'universo: dalla foglia che spunta di notte in un campo fino alle stelle. E ci si riesce ad accordare meglio con questo circostante, si riesce a pensare meglio ai propri problemi, credo addittura che si riescano a trovare anche delle migliori soluzioni, e, siccome siamo simili ai nostri simili credo che si possano trovare soluzioni anche per gli altri.

Con questo non voglio fare nessun panegirico né dell'anacoretismo né dell'eremitaggio, non è che si debba fare gli eremiti, o gli anacoreti; è che ho constatato attraverso la mia esperienza di vita, ed è stata una vita (non è che dimostro di avere la mia età attraverso la carta d'identità), credo di averla vissuta; mi sono reso conto che un uomo solo non mi ha mai fatto paura, invece l'uomo organizzato mi ha sempre fatto molta paura. »
(Fabrizio De André, Elogio della solitudine, tratto da Ed avevamo gli occhi troppo belli)
Lo stesso De André, nel corso del concerto tenuto al Teatro Brancaccio di Roma nel 1998, definirà Anime salve un «discorso sulla libertà».[13]
Le canzoni dell'album, arrangiate da Piero Milesi,[14] sono caratterizzata da una ricerca sonora indirizzata verso ritmi e temi tipici della cultura musicale sudamericana, cari a Fossati ma che hanno appassionato anche De André stesso fin da giovane, e verso il tropicalismo di Caetano Veloso, ma vi sono anche chiari riferimenti alle atmosfere balcaniche e mediterranee. Due dei brani del disco, Prinçesa e Smisurata preghiera, hanno inoltre una precisa matrice letteraria per i rispettivi testi.[15]
Anche in quest'ultimo disco De André fa uso di dialetti ed altre lingue: i cori di Prinçesa sono in portoghese del Brasile, i cori di Dolcenera e l'intero testo di Â cúmba sono in genovese, il finale di Khorakhané è in lingua rom, mentre il titolo della sesta canzone, Disamistade, è un termine sardo dalla forte connotazione sociale.
L'apparente incongruenza dell'opera è dovuta alla disputa, avvenuta nei due anni passati in sala di registrazione, tra la "corrente paganiana" che prediligeva ritmi e sonorità mediterranee (sulla scorta di Crêuza de mä) e la "corrente fossatiana" che intendeva realizzare un unicum musicale sudamericano. Dopo innumerevoli facimenti e rifacimenti, De André ha poi optato per una miscellanea delle contrastanti posizioni. Per fare questo si è rivolto a Piero Milesi, che aveva avuto modo di conoscere bene durante la realizzazione del precedente album Le nuvole[senza fonte] .
Nei crediti compare anche una dedica al percussionista Naco, al secolo Giuseppe Bonaccorso, scomparso pochi mesi prima della pubblicazione del disco, per un incidente stradale. Naco è presente in tutti i brani dell'album, contribuendo non poco alle sonorità con un gran numero di strumenti anche non canonici.

Fonte: http://it.wikipedia.org/wiki/Anime_salve

Link: http://ul.to/197lrfs7

Fabrizio De André - Storia di un'impiegato

2011-12-01T22:00:00.001+01:00

Altra raccolta di poesie di Fabrizio De Andrè, nata all'inizio della drammatica strategia della tensione e ispirato alle rocambolesche invasioni nelle università dei giovani sessantottini in Francia. Probabilmente l'album che ricalca maggiormente la situazione politico-sociale dell'epoca, vista dagli occhi di un uomo che protesta senza fare troppo rumore. Una protesta al di fuori delle canzoni che furoreggiavano con "Lotta Continua" o le ballate anarchiche pro Pinelli o ancora più intensamente evocative di Francesco Guccini. Opera che viaggia su un commento musicale che si inanella in tutti i brani, spaziando però con i testi da una situazione provocatoria ad un j'accuse morbido ma significativo, passando addirittura "dall'altra parte", negli occhi del potenziale terrorista che evacua con le lacrime tutta la sua negligenza vedendo esplodere ciò che non voleva neanche immaginare.

I timbri sonori delle canzoni si rifanno allo stile armonicamente drammatico che spadroneggiava negli anni '70, dove De Andrè ne crea uno quasi personale rendendolo più incisivo, apparentemente tiepido nelle accuse che si rivelano significativamente punzecchianti, anche a costo di far inorridire qualche falso benpensante dell'epoca. De Andrè che attacca con rapide stoccate e con abili bassi mono-tono ciò che la legge vorrebbe celare o vorrebbe evidenziare nella eccezionale differenza tra giudice e condannato. Musicalmente appare quasi scevro di orchestrazioni geniali, metriche non del tutto poetiche come i testi. Ciò non toglie che i musicisti che lo attorniano siano di eccellente levatura (Nicola Piovani) e il tutto viene evidenziato da arrangiamenti melodicamente essenziali anche se non riescono completamente a decollare.

Per quanto riguarda le liriche non credo ci sia bisogno di dire molto, in quanto sono inevitabilmente straordinarie. De Andrè non crolla mai neanche sotto i colpi che potrebbero venirgli inflitti dalla censura, dall'ottusità di improbabili intellettuali, dal clima barbaramente greve dell'epoca, dove si respirava un'aria plumbea, nebbiosa, affaticante. I testi di De Andrè, anche nel politicamente impostato "Storia di un impiegato", sono sempre eccellenti, il punto di forza dell'album. Si potrebbe definirlo anche anomalo se andiamo a dare un'occhiata al resto della fondamentale discografia e ciò deriva semplicemente da una impostazione diversa di quella offerta dalle altre opere. Un De Andrè che vuole dare il suo personale contributo all'analisi del clima cinereo dell'epoca. Indubbiamente ben descritto da canzoni meravigliose come "Canzone del padre" o "La bomba in testa", a mio avviso la migliore dell'album, l'eccellente "Al ballo mascherato" che ricorda lo stile di "Via della povertà" e la metallicamente romantica "Verranno a chiederti del nostro amore".

Opera da ascoltare con attenzione estrema, in silenzio anche religioso, se possibile, sia per raccogliere musicalmente la testimonianza di quegli anni, sia per comprendere la potenza dei testi (e qui consiglio più di un ascolto), da non sottovalutare mai, sia per onorare la memoria di quel genio incontrastabile che saltellando da un bordello ad un palco mediante i carrugi di Genova è diventato il più grande cantautore italiano (e non solo)...

Concludo con un appello rivolto a quei potenti che per decenni hanno riempito di sculture ossee, scatole nere, documenti intoccabili, centinaia di ripostigli, bauli, armadi, "per quanto voi vi crediate assolti, siete per sempre coinvolti..."

Fonte: http://www.debaser.it/recensionidb/ID_18755/Fabrizio_De_Andr_c3_a9_Storia_Di_Un_Impiegato.htm

Link: http://ul.to/o4v1gcvc

Fabrizio De André - Non al denaro non all'amore nè al cielo

2011-12-01T21:56:00.001+01:00

Che De André sia stato un grande poeta nella cultura musicale italiana è ormai evidente anche ai più scettici, e questa opera ne è una chiara testimonianza. E se i grandi filosofi della musica hanno posto, tra le tante problematiche, quella del giusto connubio tra musica e poesia (ossia testo che non sia solo in funzione della musica e, viceversa, musica che non sia solo in funzione del testo), possiamo mai dire che De André non vi sia riuscito?L'idea di scrivere poesie che dipingano un microcosmo rappresentante un cosmo di dimensioni reali è di Edgar Lee Masters, autore dell'Antologia Di Spoon River. Il poeta ha descritto, attraverso gli epitaffi di 244 personaggi, 19 storie intrecciate tra di loro, con il fine di raccontare una società che, seppur in miniatura, potesse diventare la storia del mondo intero.De André rimase affascinato da quest'opera e dal suo autore che, come lui, aveva sentito il desiderio di narrare storie di persone semplici, ognuna con una sua storia da raccontare, e al momento di realizzare le canzoni che si trovano in questo disco pensò di riproporre le poesie di E.L.Masters attualizzandole.Un'introduzione, otto personaggi. Questo basta a De André per spiegare le sfaccettature di due aspetti che frequentemente si ritrovano nella vita di provincia: invidia e scienza.La Collina presenta molte affinità con l'introduzione di Lee Masters, in cui vengono presentati molti personaggi, ma solo uno di loro compare anche nell'opera musicale: con un leit-motiv si racconta del Suonatore Jones, e dalla sua storia prende il nome l'album.Il Matto è il primo degli otto protagonisti del disco: gli altri sognan se stessi e tu sogni di loro. L'invidia quindi, l'invidia inutile di chi pensa di non riuscire ad esprimere con parole quello che sente nel cuore...e allora quale altra soluzione se non quella di imparare la Treccani a memoria? Il risultato è, però, quello di finire in manicomio, forse per pazzia, forse per il troppo sapere...non ci è dato di saperlo, ma la musicalità pura e serena del brano denota tutt'altro che rabbia e tristezza.Rabbia e invidia pervadono un nano, con una storia attuale: esasperato dalle offese e dalle dicerie della gente decide di studiare per diventare qualcuno di potere. E allora la mia statura non dispensò più buonumore, e la vendetta è la soluzione per l'invidia di un giudice di un metro e mezzo di altezza. La chitarra, con ritmo incalzante, sottolinea le lunghe strofe e indica il carattere deciso di chi vuole vendicarsi, e a nulla servono gli interventi di un'ocarina che sembra tentare di dissuaderlo.La musica che accompagna il Blasfemo è una rielaborazione di un tema inglese, e tra i vari strumenti spicca la melodia barocca di un cembalo che, unita agli archi, agli arghilofoni e alle chitarre ci costringe a sognare in un giardino incantato, come canta De André nell'ultimo verso.Con il quinto brano l'invidia viene superata dall'amore da un Malato di Cuore, costretto in casa per la sua debolezza, ma partecipe da lontano delle corse nei prati dei suoi amici. E in una vita fatta di sogni il sogno di avere una donna accanto si realizza, e non importa che il cuore cessi di battere in questo primo ed unico incontro d'amore, perché c'è la felicità di aver regalato un sorriso, di aver lasciato il cuore sulle labbra di quell'unica donna. Dire che si tratta di una canzone è estremamente riduttivo: è una poesia declamata e cantata allo stesso tempo, una poesia in cui la musica non ha funzione secondaria, ma accompagna la voce, la esalta e non la nasconde. Il tema della scienza viene affrontato con tre storie diverse da un Medico, un Chimico e un Ottico. Secondo l'autore la scienza ha grandi poteri, ma non può risolvere problemi esistenziali, limite non indifferente per gli uomini che sognano.E così il medico, che da bambino sognava di guarire i ciliegi credendoli feriti nel momento in cui davano frutti, deve rassegnarsi a capire che fare il medico è solo un mestiere. Lui che voleva curare i pazienti gratuitamente, si ammala di debiti come loro.Il chimico sposa gli elementi, ma non capisce come gli uomini si possano combinare con l'amore. I termini sono invertiti: c'è un matrimonio di elementi e una reazione tra uomini. Questo perché per il chimico l'amore è caduco, non è oggettivo e per questo non può dare felicità come il veder reagire idrogeno ed ossigeno.Il penultimo personaggio, l'Ottico, comprende il limite della scienza, perché le pupille abituate a copiare inventino i mondi sui quali guardare. Vengono perciò intervistati i desideri di quattro clienti, con una soluzione musicale molto particolare. Nelle strofe del primo e del terzo cliente le voci si sovrappongono a formare un canone per poi terminare insieme, creando un'atmosfera che disturba. In quella del secondo la voce è ripetuta da un'eco non forte, ma efficace; ed è solo con i toni pacati e sereni del quarto cliente che viene trovata una soluzione: fare gli occhiali che permettano di vedere una forte luce, capace di trasformare il mondo in un giocattolo. L'esaltazione festosa dell'ottico ormai soddisfatto si contrappone alla musica pacata e seriosa dell'ultimo brano: Il Suonatore Jones.E' uno dei personaggi più complessi, profondi ed efficaci non solo di questo album, ma di tutta la discografia di De André. Denaro, amore e cielo sono le cose a cui il suonatore rinuncia in nome della libertà, in nome della musica, della sua musica. Per ragioni metriche il violinista di E.Lee Masters qui suona il flauto, ma questo non cambia la sua disponibilità. E' diverso dagli altri personaggi proprio perché è disponibile, perché ha scelto di non coltivare la sua terra, ma di suonare; ha scelto di non fare della musica un mestiere, perché questo avrebbe tolto la libertà alla musica; ha scelto di suonare per le ragazze ai balli e per il compagno ubriaco, giocandosi così anche il cielo. E gli arghilofoni (strumenti di argilla, tra cui l'ocarina) ricamano intorno al racconto con melodie semplici e penetranti, quasi a richiamare la musica suonata dal personaggio durante la sua ricca vita... Finii con i campi alle ortiche, finii con un flauto spezzato e un ridere rauco e ricordi tanti e nemmeno un rimpianto.

La Collina
Un Matto (Dietro ogni scemo c'è un villaggio)
Un Giudice
Un Blasfemo (Dietro ogni blasfemo c'è un giardino incantato)
Un Malato Di Cuore
Un Medico
Un Chimico
Un Ottico
Il Suonatore Jones

Fonte: http://www.musicoff.com/articolo/de-andr%C3%A8-non-al-denaro-non-allamore-n%C3%A8-al-cielo

Link: http://ul.to/gp3a68zx

Fabrizio De André - Tutti morimmo a stento

2011-12-01T21:38:00.001+01:00

Quando nel 1968 vide la luce, “Tutti Morimmo A Stento” fu una sferzata di vento gelido sul mellifluo e lusinghiero panorama musicale italiano. Pochi anni prima il cantautore genovese si era già fatto apprezzare per canzoni di protesta come “La Guerra di Piero” o per ballate struggenti quali “La canzone di Marinella”.

La poesia ribelle, l’umana solidarietà, lo stiletto dell’ironia furono gli elementi fondamentali che contraddistinsero gli affreschi musicali di De André ad inizio carriera, ma che lo accompagneranno fino alle sue ultime composizioni; uno stile che muterà nel tempo ma che ruoterà sempre attorno ad una personalità fondamentalmente invariata.

Ma torniamo agli inizi, l’uomo libero (come credo piacesse al nostro o almeno è un epiteto che piace molto a chi scrive), si rifaceva alla tradizione degli chansonnier francesi (Brassens in primis) e dei songwriting americani come Dylan e soprattutto Cohen, rielaborandoli in uno stile personale, asciutto, diretto. I personaggi delineati da De André ci parlano da mondi vicini al nostro cuore ma che abbiamo timore di ricordare, con la loro carica di disperazione, umanità, magia. La semplicità e la democraticità dei versi del paroliere genovese celano un’estenuante lavoro d’elaborazione letteraria. Le storie spesso tratte da fatti di cronaca o da autori amati ( Balzac, Proust, Maupassant, Flaubert, E.L. Masters, Fellini) si rivelano attraverso le lenti esistenziali del nostro (mi si conceda tale espressione ricalcando i versi de “Un Ottico”, “Non al denaro, non all’Amore, né al Cielo”, 1971), filtrano fra i corridoi dell’anima e ci vengono restituiti in pietre luminose. Ecco il tesoro nascosto nelle vite disperate, quel malinconico passeggiare nella via fetida, quel odore di letame che sa tanto di uomo (inutile qui citare la storia di una certa ‘via’ che tutti ricorderanno).

L’inconsolabile ricerca di umanità si riscontra anche in questo piccolo capolavoro, che risente forse di un’eccessiva ridondanza negli arrangiamenti e di una esagerata ampollosità nell’orchestrazione, diretta dal maestro Giampiero Riverberi, ma che racchiude al suo interno una carica espressiva enorme, una poesia spesso barocca ma mai fine a se stessa, un viaggio desolante fra i derelitti dell’umanità. De André ‘sacrifica’ la sua riflessione sul tema della morte.

La morte del singolo, attraverso le storie dei personaggi che man mano vanno delineandosi, diventa morte dell’umanità intera, condanna inflitta dalla natura all’uomo (non mi sento di dire ‘inflitta da dio’ perché su questo tema il nostro si pronuncerà in un altro fortunato lavoro due anni dopo). Ancorati a tale principio è però angosciante e contraddittorio constatare come spesso il destino dell’individuo sia dominio nelle mani di un altro individuo. Su tale assunto si scaglia l’invettiva di De André in “Tutti Morimmo A Stento”, affrontando un argomento che rappresenta, forse, il nodo cruciale dell’intera sua poetica; la gestione del potere. Che sia in ambito religioso (“La Buona Novella”, 1970), politico (“Storia di un Impiegato”, 1973) o potremmo dire ‘esistenziale’ come in questo caso, fintanto che esisterà amministrazione e controllo sull’autonomia dell’individuo nelle mani di un’autorità invisibile, non potrà esistere libertà dell’uomo. Ecco allora un appello alla solidarietà in “Tutti Morimmo a Stento”, una riflessione sullo scarto che esiste fra l’uomo ed il divino in “La Buona Novella”, l’abbattimento di qualsivoglia potere in “Storia di un Impiegato”; ecco l’anarchismo di De André. Anarchismo inteso come condizione nella quale “ognuno si da leggi per sé, senza intaccare però la libertà degli altri”.

L’anarchia/utopia si manifesta in “Tutti morimmo a Stento” in versi taglienti, ironici; De André è testimone oculare, scrivano attento al processo dell’umanità.

Così nel “Cantico dei Drogati” raccoglie l’infelice deposizione di un uomo ormai sul confine tra la vita e la morte; l’incipit è sconvolgente: “Ho licenziato dio/gettato via un amore/per costruirmi il vuoto/nell’anima e nel cuore”. Ed ancora “Chi mi riparlerà/di domani luminosi/dove i muti canteranno/e taceranno i noiosi”, “e soprattutto chi/e perché mi ha messo al mondo/dove vivo la mia morte/con un anticipo tremendo”; qui il baritono di De André sembra sussultare in un fremito di mestizia mantenendo però quel distacco canoro che non è incapacità d’immedesimazione o cattiva interpretazione, ma è più come il tono fermo del coraggioso che lancia una sfida appena prima dell’esecuzione. La musica è suadente ed ispirata, decadente ed a tratti speranzosa . Il ritornello (se così si può definire) è senza dubbio una delle pagine più tristi della storia della musica italiana: “Come potrò dire a mia madre che ho paura?”.

Un breve intermezzo dall’acerba sfumatura progressive (ce ne sono tre nel corso dell’opera, per tenere fede alla forma classica della cantata) ci catapulta in uno scenario diverso. Nella “Leggenda di Natale”, fra le tende di una fragile ballata, si consuma la favola nera di una bimba violata: “E venne l’inverno/che uccide il colore/e un babbo natale/che parlava d’amore/e d’oro ed argento/splendevano i doni/ma gli occhi eran freddi/e non erano buoni”. L’innocenza della rima baciata e la delicatezza di pochi accordi arpeggiati addolciscono, come già era successo con Marinella, la morte della malcapitata ed è qui che sta la forza della musica e della poesia di De André, il saper ricostruire la storia di un’esistenza traviata innalzandone il ricordo attraverso la poesia e la fiaba, rendendola così senza tempo. Mi piace qui richiamare alla mente quel brano che De André scrisse anni prima per il collega Luigi Tenco, nella quale chiedeva pietà a dio per il gesto estremo dell’amico; che dio esista o no, non credo sia rimasto insensibile ad una simile invocazione.

Il secondo intermezzo spiana la strada a “La Ballata degli Impiccati”, liberamente tratta da “Ballade des Pendus” del poeta maledetto François Villon. Qui i condannati alla forca manifestano il loro rancore per la vita e la pena; i versi di De André sono scarni, taglienti, sarcastici, mai retorici; "Chi derise la nostra sconfitta/ e l'estrema vergogna ed il modo/ soffocato da identica stretta/ impari a conoscere il nodo. Chi la terra ci sparse sull'ossa/ e riprese tranquillo il cammino/ giunga anch'egli stravolto alla fossa/ con la nebbia del primo mattino/ La donna che celò in un sorriso/ il disagio di darci memoria/ ritrovi ogni notte sul viso/ un insulto del tempo e una scoria"

La musica dipinge sullo sfondo atmosfere funebri; il barrito solenne della tromba sembra scandire le diverse fasi di un’esecuzione pubblica.

La malinconica “Inverno”, invece, insegue la tradizione settecentesca delle “poesie stagionali”. Dopo un breve incipit a venature jazz, ecco srotolarsi la melodia in tutta la sua grazia. I versi setacciano un altro tema caro al cantautore genovese; quello della ciclicità degli amori. L’inverno che “uccide i colori” (come già ne prendeva atto la “Leggenda di Natale”) raffigura la crisi della coppia e l’inevitabile scioglimento. Il brano alterna attimi di speranza a frangenti di mestizia cristallina. Nel finale la triste presa di coscienza: “Ma tu che stai, perché rimani?/un altro inverno tornerà domani/cadrà altra neve a consolare i campi/cadrà altra neve sui camposanti”.

Là dove “Inverno” cedeva il campo a quel tipo di tristezza che spesso ricerchiamo nella vita di tutti i giorni, “Girotondo” ci proietta nel mondo della paura e dell’orrore; fra le buche di un campo martoriato dalle bombe si svolge la danza macabra di un gruppo di bimbi (impersonati da un coro di voci bianche) che inneggiano alla guerra. Un carillon grottesco che sfocia nei versi: “La terra è tutta nostra/ marcondiro'ndero/ ne faremo una gran giostra/ giocheremo a farla nostra/Abbiam tutta la terra/ giocheremo a far la guerra/marcondiro'ndà”. Davvero un pugno in faccia per il panorama musicale di quel periodo ma anche per quello attuale. È triste pensare come questo brano, come tanti altri scritti da De André contro la guerra, sia così dannatamente attuale. Diceva Fabrizio: “Ho cantato per tanti anni ‘La Guerra di Piero’ e non è mai servito a niente”.

Il terzo intermezzo ci accompagna alla suite finale per orchestra, coro, e recitativo. Qui l’invettiva di De André contro l’egoismo e l’insensibilità umana raggiunge il suo parossismo; la poesia si fa carico e da voce a tutto il male e l’ingiustizia del mondo: “Noi che invochiam pietà siamo i drogati/dell’inumano varcando il confine/conoscemmo anzitempo la carogna/ che ad ogni ambito sogno mette fine/che la pietà non vi sia di vergogna”, e ancora “noi che invochiamo pietà fummo traviate/navigammo su fragili vascelli/per affrontar del mondo la burrasca/ed avevam gli occhi troppo belli/che la pietà non vi rimanga in tasca”. Il “Recitativo” è alternato ad un “Corale” che, utilizzando i vicoli della parabola, fa leva sulla solidarietà umana, riscoprendo l’antico valore della fratellanza. Le ultime parole sono una mesta constatazione: “ Uomini cui pietà non convien sempre/ mal accettando il destino comune,/ andate, nelle sere di novembre,/a spiar delle stelle al fioco lume,/la morte e il vento,in mezzo ai camposanti,/muover le tombe e metterle vicine/come fossero tessere giganti/di un domino che non avrà mai fine” ed un’invocazione: “Non cercare la felicità/in tutti quelli a cui tu/hai donato/per avere un compenso/ma solo in te/ nel tuo cuore/se tu avrai donato/solo per pietà”.

Credo sarebbe utile rispolverare un opera di tale ispirata lucidità in un epoca nella quale si è perso il rispetto della vita altrui e soprattutto della morte altrui. Vorrei ricordare, in queste ultime frasi, alcuni miei cari amici che, il giorno dopo l’impiccagione di un uomo, sono corsi su internet per scaricarne il filmato. Vorrei ammonirli affettuosamente con i versi di un brano che Fabrizio aveva tradotto dal grande maestro Georges Brassens: “Tanto più che la carogna è già abbastanza attenta/non c’è nessun bisogno di reggerle la falce”.

Fonte: http://www.storiadellamusica.it/Fabrizio_De_Andr%E9_-_Tutti_Morimmo_a_Stento_(Ricordi,_1968).p0-r1067

Link: http://ul.to/toapcf9i